Pese al profesionalismo indudable de Hartmann y su equipo, la película se ve limitada por las convenciones del subgénero true crime, que tiende a reproducir fórmulas repetitivas en estructura, forma y estética visual. Las recreaciones en blanco y negro, aunque técnicamente logradas, vuelven más convencional el trabajo detectivesco que podría resultar más incisivo. Sin ser particularmente audaz ni disruptivo, el documental atrae por el retrato de una mujer que pasó de ama de casa religiosa a figura magnética, manipuladora y ambiciosa, convertida finalmente en mito mediático de la cultura popular.

La segunda película de Juan Cabral muestra tanto los riesgos como los aciertos de trasladar la expertise publicitaria al largometraje: si bien recurre excesivamente a un preciosismo visual y no siempre integra con fluidez sus múltiples elementos narrativos y personajes, logra construir un universo fantástico desde la perspectiva infantil poco frecuente en el cine nacional, potenciado por la presencia de seis canciones de Babasónicos que funcionan como columna vertebral de la historia.

Tras dos largometrajes audaces, Mirás concibe una historia básica, superficial y demagógica que acumula exaltaciones nacionalistas, costumbrismo ramplón, realismo mágico kitsch y manipulaciones sentimentales en torno a valores familiares tradicionales. El resultado es un film caótico y condescendiente que se nota artificioso, con las costuras internas a la vista, que intenta forzar la emoción del espectador sin lograr más que una obra calculada e impostora, fracasando incluso en sus propios términos de entretenimiento.

La película aborda temas de peso como el abandono, la culpa y la reconciliación con diálogos demasiado subrayados y moralejas que rozan el discurso de autoayuda, resultando previsible y didáctica pese a su factura profesional. Aunque carece de chispa, destaca por algunas actuaciones que logran matices: Martínez evita los excesos sentimentales mientras que Estévez aporta pícardia a una obra con mejores intenciones que resultados.

El debut en largometraje de Hueter construye un thriller psicológico que privilegia el duelo mental sobre la acción, dosificando información con parsimonia para sostener una tensión latente que culmina en una progresiva degradación claustrófóbica y desgarradora. La puesta en escena ajustada y las convincentes actuaciones logran encarrilar un relato que juega con la manipulación psicológica de la protagonista hacia sus captores, aunque algunos momentos fuerzan levemente la verosimilitud.

Una película austera y minimalista que propone tres variaciones de un encuentro casual entre dos cinéfilos, construida con la ligereza narrativa y las búsquedas estéticas que caracterizan al cine de Hong Sangsoo. La propuesta se sostiene en diálogos sobre música y cine, canciones propias y la química entre protagonistas, desplegada en espacios mínimos alrededor de la Sala Lugones, con una forma de producción ultraindependiente y artesanal que refleja fielmente su esencia artística: pura, directa y cristalina tanto en sus hallazgos como en sus limitaciones.

Una comedia negra que descansa casi enteramente en la química entre sus dos protagonistas y que logra sostener el interés a través de su interacción, enriquecida por un ingenio tragicómico y una puesta en escena que evita la impronta teatral mediante angulaciones de cámara virtuosas, humor físico, irrupciones musicales y un ritmo incesante que le confiere un lenguaje cinematográfico propio.

Se trata de un entretenimiento satírico dignamente ejecutado que mezcla gore, comedia física y ciencia ficción distópica con desenfado, aunque sin sorpresas mayores ni una gran ambición cinematográfica. La película sostiene su simpatía a través de gags visuales y toques de "uruguayosidad", manteniéndose más próxima al desenfado que a incursiones profundas en el género, resultando en una propuesta aceptable dentro de sus propios límites.

Solnicki construye una película de viñetas absurdas y lúdicas que prescinde de narrativas convencionales para priorizar el encuentro entre personajes y la experimentación visual, logrando una obra accesible pero radicalmente audaz donde la composición de planos, la dirección de fotografía y el humor asordinado conviven en una estructura que desafía las expectativas del relato clásico, aunque su falta de continuidades y explicaciones dramáticas inevitablemente divide al público.

Una remake mexicana respetuosa pero sin demasiadas pretensiones que funciona como una buddy movie entretenida y eficaz, aunque sin generar la misma fascinación que su referente original; Winograd filma con oficio y solidez pero se mantiene fiel al guion de Szifron sin asumir riesgos significativos, lo que la convierte en uno de sus trabajos menos audaces, probable que resuene mejor con el público mexicano que no conoce el filme de 2005.

Thriller de construcción prolija con atmósferas perturbadoras y escenas de acción gore que generan tensión, pero cuya brevedad de 67 minutos delata una falta de desarrollo y profundización, dejando la sensación de que el material daba para mucho más y requería mayor cocción narrativa.

Ópera prima que celebra la cinefilia desde una perspectiva humanista y crítica, la película maneja con soltura un tono ligero y cargado de humor deadpan para narrar la precariedad de sus personajes dentro de un cineclub. Con escasas intervenciones de diálogo y un despliegue visual que evoca el noir francés y el expresionismo alemán, la obra teje una red de referencias cinematográficas que funcionan como acto de reivindicación de los perdedores del sistema, aunque también subraya cierto patetismo en una cinefilia que debe apelar al engaño para subsistir; en ese descenso inevitable, sin embargo, persisten momentos de nobleza, empatía y solidaridad entre los personajes.

El director demuestra oficio para transitar con solvencia distintos subgéneros del terror, sosteniendo la película mediante un despliegue visual y sonoro cuidado, atmósferas inquietantes y buenas actuaciones; sin embargo, el guion acumula elementos y giros narrativos de manera algo arbitraria y caprichosa, priorizando la mutabilidad sobre la sorpresa o la innovación. Aun así, la película honra el estándar alcanzado por el cine de terror sudamericano contemporáneo.

Lucrecia Martel realiza una incursión coherente en el documental que funciona como continuación lógica de su obra previa, construyendo un thriller procesal que alterna entre la intimidad de historias de vida y el alcance de un cine político etnográfico, pendulando entre lo rural y urbano, lo actual y la Historia, para explorar la larga cadena de colonialismo y despojo territorial que subyace a un crimen específico; la directora aborda temas de racismo y connivencia del establishment yendo desde la indignación hasta la sutileza, complementando el análisis con observaciones de la geografía, fauna, flora, música y costumbres del lugar, en una película que funciona simultáneamente como reivindicación de una lucha centenaria y como advertencia sobre un planeta en autodestrucción.

Híbrido entre ficción y documental, la película exhibe desniveles entre sus tres segmentos —el primero y el tercero más articulados que el del medio, que aun así ofrece hallazgos estéticos— sin perder de vista una coherencia de conjunto: el tramo final resignifica y engloba todo lo anterior. Un salto arriesgado y en buena medida logrado, de espíritu mutante, bello y doloroso a la vez.

La película de Seles despliega un estilo visual y narrativo de recursos recurrentes —cámara en mano, montaje taquicárdico, diálogos deliberadamente caóticos— que resulta provocador en primera instancia pero termina agotándose en la repetición; su estructura pendular y anárquica, que rechaza un eje narrativo claro, se resuelve como una acumulación banal de situaciones y vignetas que, más allá de entusiasmar a sus seguidores, genera una experiencia poco atractiva y frustrante.

La película sobrevive al hype generado por sus victorias en festivales internacionales, aunque no llega a ser extraordinaria ni revolucionaria para el cine de género argentino. Rugna demuestra una enorme convicción en la puesta en escena y una imaginería dramática y visual inmensa, devorando elementos de folk horror, gore y sobrenatural con agallas y talento, pero incurre en una acumulación excesiva, exageración en diseño sonoro, actuaciones y capas narrativas que buscan impacto constante. A pesar de estas tendencias al exceso, la película nunca deja de interesar ni fascinar, presentando un cine de terror argentino que se aleja de lo previsible y construye desde ideas originales.

Una pequeña película documental-musical que capta con sencillez y delicadeza un encuentro entre mujeres de diversos géneros, generaciones y orígenes, construyendo a través del cine un espacio de sororidad, admiración cruzada e intercambio artístico. Lucrecia Martel organiza los 37 minutos en torno a la voz y la presencia de Julieta Laso, permitiendo que emerjan momentos emotivos donde la música y el diálogo genuino entre las artistas participantes generan una atmósfera íntima y hermosa. Una carta de amor filmada en la naturaleza salteña que funciona como un respiro esperado mientras se aguarda el próximo largometraje de la directora.

Tras una ausencia de casi una década, Szifron regresa con una película ambiciosa que despliega su inventiva visual, su destreza narrativa y su creatividad en seis historias interconectadas por una mirada despiadada sobre la argentinidad contemporánea. Con recursos técnicos sofisticados, un elenco de primera línea y un humor negro de altísima dosis, el director logra hacer creíble y disfrutable situaciones delirantes donde personas ordinarias se transforman en monstruos. A nivel artístico, el resultado es apabullante y demoledor, aunque la crueldad de su perspectiva sobre los personajes y el tono provocador seguramente generarán polémica inevitable sobre la ideología del retrato de una sociedad en descomposición.