La ópera prima se distancia de los modelos narrativos convencionales para pensar los cuerpos y sus memorias a través de la danza como código paralelo. La dirección logra construir un espacio donde la cámara se aproxima a texturas corporales, respiraciones y movimientos que enuncian lo que las palabras no articulan, mientras las coreografías operan como negociación de afectos y culpas. Su verdadero acierto radica en evadir lo episódico para trabajar con la memoria corporal y los espejos generacionales, donde la danza funciona simultáneamente como liberación y herencia condicionante. Técnicamente configura un clima de proximidad y tensión contenida mediante el sonido y una música que nunca subraya.

Martel construye un documental que trasciende el true crime convencional mediante un montaje fragmentado de archivos judiciales, registros amateurs y recreaciones, tensionando la narrativa entre el caso particular de un asesinato y su inscripción en siglos de despojo. La película expone cómo el sistema legal legitima la exclusión indígena mientras evita clausuras unívocas, prefiriendo mostrar la persistencia de una comunidad que resiste frente a estructuras de poder invisibilizadoras.

La película logra una intensa exploración de la adolescencia y la rivalidad femenina en un contexto de crisis social, con una protagonista compleja que escapa de estereotipos y una sólida construcción atmosférica visual. Sin embargo, su ambición narrativa de combinar horror psicológico, drama coming-of-age y crítica social no siempre mantiene equilibrio, especialmente hacia el desenlace donde la representación explícita diluye la ambigüedad inicial. A pesar de estos altibajos, la película demuestra el manejo efectivo de la atmósfera claustrofóbica y el simbolismo, consolidando a su directora como una voz relevante del cine de género latinoamericano.