De la Vega continúa demostrando su capacidad para reinventarse dentro del cine de horror y thriller, explorando nuevas rutas expresivas sin abandonar la crudeza emocional de su trabajo anterior. La película construye una atmósfera claustrofóbica y amenazante eficaz a través de una cuidadosa dirección visual, el trabajo de planos y la fotografía, mientras usa el bilingüismo como postulado conceptual que refuerza la tensión narrativa. Aunque la fórmula de cautiverio y escape funciona como es esperable, el film gana complejidad en su segunda mitad, donde las capas del relato se entrelazan para articular una reflexión sobre memoria, identidad y trauma que trasciende el género.

El debut de Marlene Grinberg se erige como una pequeña obra maestra que trabaja la imagen cinematográfica con madurez singular, construyendo cada plano como una entidad que respira por sí misma. A través de movimientos corporales, disciplinas rituales y una composición visual de cariz pictórico, la película teje un tejido emocional donde naturaleza, espacios interiores y cuerpos convergen para interrogar herencias y traumas familiares. Con precisión formal y una comprensión profunda de cómo la forma potencia el sentido, Grinberg maneja el lenguaje cinematográfico con rigor e intuición, exigiendo al espectador una atención particular para percibir las señales que emergen en cada borde del encuadre.

Documental organizado en capítulos que rastrea con nostalgia la influencia del blues en la música argentina, desde sus orígenes hasta la contemporaneidad, utilizando el blanco y negro como decisión estética significativa. La película logra desentrañar la esencia del género mediante un heterogéneo repaso de archivo y testimonios de músicos y entendidos, celebrando un legado cultural a través de una exploración que sigue la premisa de investigar hacia atrás en el tiempo, con la figura central del rock nacional como hilo conductor de vertiginosos ciento treinta minutos.